Workshop EXILE Museo in Esilio: Riflessioni di Andrea Lanini

"Un introduzione sintetica ai punti successivi ....)

Se la realtà non esistesse e vi fossero soltanto delle interpretazioni al posto delle cose, come molti si sono affannati a sostenere in epoca recente, non si capirebbe molto l’affanno degli uomini.
E’ un affanno esistenziale che potremmo descrivere per eccesso o per difetto nella lotta con le cose del mondo poiché alcuni si appassionano così fortemente e dolorosamente ad esse che cercano in ogni modo di rivoluzionarle, fino al punto che esse si rivoltano a loro volta contro i loro assalitori. Mentre altri sono così oppressi dall’incombere del mondo su di loro, che fanno di tutto, sia pure tristemente, per restarne distanti.
Se a questo punto volessimo riferire a questo doppio atteggiamento il tema dell’esilio, potremmo dire che i primi sono colpiti dall’esilio in quanto condanna, la quale viene loro comminata dalle istituzioni per l’eccesso della loro ribellione, mentre i secondi si impongono da soli il loro personale esilio, piuttosto come una scelta, senza la quale le cose del mondo li travolgerebbero senza rimedio.
Tutto ciò non accadrebbe se non si fosse in qualche modo sottoposti a un “bando” e il bando comporta come conseguenza l’essere abbandonati. Sebbene l’esiliato si senta in qualche modo riscattato dalla sua stessa sofferenza egli non può del tutto nascondersi l’episodio dell’abbandono e in lontananza la colpa che lo ha determinato.

In ogni caso l’esilio comporta un distacco e un guardare alle cose da una distanza che implica un processo tutto mentale di ricongiungimento. E’ questa la struttura profonda che sostiene la “fuga” plotiniana di “uno solo verso se stesso”. E’ questa la procedura per la quale la nostalgia e il richiamo danno alle parole un valore tutto spirituale e incoraggiano l’ascesa verso il “nous”. Qui, per l’artista esiliato si colloca la scelta del verbo piuttosto che dell’icona e si rende prevalente e talvolta inevitabile il ricorso alla parola e al messaggio parlato e scritto.
Ciò che davvero colpisce è il fatto che la parola lanciata nell’esilio dà luogo ad una lingua e insieme ad una narrazione. Forse l’esiliato ritiene, nella babele che attraversa nel suo viaggio o semplicemente nella sua condizione di straniero, di dover trovare una lingua buona per tutti o magari la lingua perduta dei padri dai quali tutti discendiamo. Colpisce che la cattività babilonese abbia in qualche modo prodotto l’Antico Testamento e che l’esilio di Dante sia stato il nido della lingua italiana. Colpisce anche che la nuova lingua abbia creato con la sua stessa apparizione dei nuovi mondi.


( I punti successivi, magari un po’ ripetitivi.....)

L’esilio come pena
Se penso all’esilio, immagino che una qualche autorità possa averlo imposto a qualcuno come una condanna. Si può discutere se esso sia veramente una condanna o piuttosto la possibile via d’uscita da una pena, in una sorta di regione separata che per essere geograficamente altrove è anche una terra nella quale vige la sospensione.

L’autoesilio come tipico dell’artista
Ma potrei pensare all’esilio anche come una scelta, una via d’uscita che non si fonda per nulla su una sanzione istituzionale, ma che nasce dalle esigenze profonde dell’anima, tale che è piuttosto il soggetto che riconosce in un qualche contesto complesso e articolato le ragioni di una propria inadeguatezza al luogo, e sanziona da sé nei confronti di se stesso una sorta di pena del girovagare altrove. Naturalmente mi riconosco in pieno in questa seconda accezione se non altro perché non attribuisco a nessuno il diritto ma neppure la colpa di avermi esiliato in qualche modo dentro me stesso. Non me la sento di attribuire alla realtà la responsabilità di essere com’è. Credo che gran parte dei nostri problemi oggi dipenda dal fatto che ci figuriamo la realtà come vorremmo che fosse e non verifichiamo mai la nostra azione a partire dalle cose concrete che la rendono possibile. E d’altra parte la realtà com’è non è certo immune da difetti per cui è solo l’esiliato ad essere in grado, per certe sue ragioni e visioni, ad indicarli con più disperata precisione. L’esilio dell’artista è, in un certo modo, la sua natura ed è grazie a questa sua condanna naturale di esiliato che egli può parlare, secondo il modo che gli è proprio, della realtà.

Il mio è un esilio nel passato
Ma se potessimo parlare di azione saremmo già un pezzo avanti. Qui siamo nel terreno dell’arte e quindi per definizione nell’inazione. Personalmente il tipo di esilio al quale aderisco, senza peraltro attribuirne la responsabilità se non a me stesso, credo sia soprattutto un esilio nel passato. Un esilio nel passato e nel continuamente ritrovato. Si tratta di una permanenza straniante così forte che anche l’apparire del nuovo, che pure avviene, acquista quasi il senso di una predestinazione, di una meraviglia predisposta, da tempo, da qualcuno. Il nuovo che appare, infatti, non è incomprensibile, ma svela il senso e quel senso appartiene fatalmente ad un qualcosa che c’era già e che, semplicemente, non si era riconosciuto. L’esilio è il rito
rno sempre negli stessi luoghi, che sono i luoghi del radicamento e dello sradicamento : radicamento del nascere e del prendere vita e sradicamento di un abbandono che non si riesce ad accettare per cui si è esiliati nel familiare e nel conosciuto mentre ci si dovrebbe abituare al disconoscersi. Il fatto stesso di mimetizzarsi sempre negli stessi luoghi e di cercare l’invisibilità segna il desiderio di sprofondare nell’esistente e di tornare ad esso, cadendo nel passato.
Si può d’altra parte ipotizzare che l’esiliato inclini quasi naturalmente al passato per via della sua condizione di esclusione. Egli ripensa, se non altro con la nostalgia propria del viaggio omerico, alla terra del padre ed è l’assenza della figura paterna, come conferma Joyce-Dedalus, a determinare una ricerca continua nel corpo della storia.

Il girovagare dell’esiliato
L’esiliato è un girovago. Quando si trova in un isola, misura incessantemente il contorno della costa, alla ricerca di una fuga che non è possibile. Nel girovagare egli sperimenta l’impossibilità del ritorno come in una sorta di coazione a ripetere. Questo è il senso di colui che meglio di ogni altro ha teorizzato, con la figura del Flaneur, lo straniero in patria, Baudelaire. Da lui deriva dunque l’esiliato artista e poeta che cerca il punto di passaggio dalla sua condizione di albatros a quella della appartenenza alla società : Dedalus.
L’esiliato nel passato torna continuamente agli stessi luoghi che però non sono più gli stessi per cui l’esilio si compie in lui come disagio del presente. L’origine di questo disagio è però anche in quel passato che cerca di far rivivere poiché probabilmente già in quella origine c’era una scissione, una difficoltà a vivere la vita nel suo procedere, una difficoltà a stabilire una appartenenza al mondo che rassicurasse sulla continuità del tempo e scacciasse dalla mente la paura della perdita. Quando poi l’esilio viene di fatto praticato in terra straniera, il girovagare è ricerca continua della patria e ricerca di posizioni dalle quali l’eco della propria terra giunga in modo più struggente e in modo altrettanto struggente possa alzarsi il richiamo dell’esule verso quella terra. Dante e Joyce vagano e vagano e il loro stesso racconto è in forma di viaggio, la loro opera ha la struttura di un viaggio narrato e il loro problema centrale, fatalmente, è quello della lingua.

L’esiliato dà luogo ad una lingua.
Separato dalla sua terra d’origine l’esiliato si avventura nei territori delle lingue sconosciute. Nell’accoglierle una dopo l’altra ed esserne accolto, cerca riparo dalla estraneità della sua stessa lingua e va alla ricerca di una sorta di linguaggio comune del mondo. L’esiliato ha per questo una vocazione babelica e al tempo stesso non può non muoversi, sia pure confusamente, alla ricerca di una sintesi. Ne è una lampante riprova la ricerca linguistica joyciana, nascente nel corpo stesso delle letterature e delle lingue visitate dallo scrittore (insegnante di letteratura in Francia e di Inglese (?) in italia) intento a mescolare idiomi diversi con l’aiuto della musicalità irlandese ma sforzandosi di sfuggire al dominio della sua propria lingua e cultura. Altra riprova è in Dante, fuggiasco ed esiliato presso le corti dei signori ma preso dal suo sogno linguistico, di un passaggio storico dalla tradizione latina all’avvento storico di un volgare che dal siciliano passa al toscano e alla sintesi di tutti i volgari italiani. E’ poi evidente il frequente ricorso dell’esiliato alla lingua scritta come strumento principe della sua comunicazione ed espressione : l’esigenza di testimonianza, implicita nello sradicamento dell’esiliato, lo induce ad impiegare la parola piuttosto che l’immagine, la lettera, in quanto tradizione e testamento, al posto del dipinto e della figura.
Nel testo in questione, Mallarmè riparte naturalmente da Baudelaire, suo punto di riferimento fin dalla giovinezza, e ne coglie la lezione centrale dell’emarginazione dell’artista nella società, del suo radicale sradicamento. Nel citare Mallarmè come poetico esegeta di Amleto, Joyce cerca una saldatura, nel famoso capitolo della Biblioteca, tra il non eroico e inadeguato Stephen e tutta la sequenza dei poeti maledetti e inadeguati che Mallarmè ha brillantemente teorizzato. E’ di tutta evidenza che la vera posta in gioco di questa operazione è la lingua e più propriamente la lingua della letteratura e dell’arte. Tutto questo ci porta a riconoscere nell’esilio non solo il nido fertile di una lingua che travalichi i confini che l’esiliato ha dovuto varcare per necessità, ma di una lingua totalmente nuova che metta un segno nella storia come sconvolgimento di tutte le lingue precedenti.
Su questo ideale terreno si incontrano Mallarmè, francese insegnante a Londra e Joyce, irlandese insegnante in Francia e in Italia, e trovano un accordo nella ricerca di una lingua poetica che inventi un rapporto inedito tra musica e parola, tra parola e spazio.

L’esiliato dà luogo ad un mondo.
Privato della patria, l’esiliato tende a ricostruire un mondo, Ciò che egli immagina e costruisce non è una sola cosa o poche cose sparse e disseminate ma un mondo intessuto di relazioni e rimandi che lentamente si annodano e si sviluppano fino a formare una nuova patria, mentale e ideale. Luogo fantastico e utopistico, questa patria ha un valore escatologico perché in essa si risolve e si dissolve, con una liberazione, quel volto sinistro del mondo reale che ha condannato l’esule all’estraneità. Parimenti esuli e vaganti, sognanti e squattrinati presso signori damascati e pensioni di terz’ordine, Dante e Joyce, costruiscono pazientemente la tela dei loro mondi, la Commedia e l’Ulisse, che sono ambedue viaggi e non viaggi : l’uno, in quanto
girovagare nello stesso luogo e l’altro come ascesa in un luogo dello spirito. In essi, comunque, i poeti cercano una via d’uscita, e non solo per se stessi, ma anche e soprattutto per la loro terra di fronte alla storia. Ma c’è un terzo mondo che scaturisce, secondo molti studiosi, proprio da un esilio ed è la Bibbia, partorita molto probabilmente proprio dalla cattività babilonese. Dante ne è il mimetico continuatore, nella sua geniale convinzione di scrivere un terzo vangelo, almeno secondo Burke. E Joyce, pur modellandosi geometricamente sulla struttura e sui numeri dell’epica omerica classica, non trascura di trovare il suo protagonista in un ebreo. Il valore di annuncio e di liberazione che si annida nella Bibbia ha un riscontro preciso nei
suoi profeti i quali nella gran parte nascono dalla sofferenza della cattività babilonese.

Il nuovo mondo ideale dell’esiliato è rigoroso.
Se è vero, che è dall’esilio babilonese che scaturisce la Bibbia, occorre riconoscere che il libro dei libri corrisponde ad una rigorosa ristrutturazione della cultura religiosa ebraica antica. E’ con la Bibbia infatti che la religione ebraica si rinsalda nel suo estremo monoteismo contro le più vaghe credenze dei cananei e al tempo stesso il monarca deve lasciare ai sacerdoti la gestione delle cose sacre, mentre il popolo ebraico, consolidando la sua identità, si forma come popolo chiuso. Sembra quasi che la mutevolezza di condizioni e spesso lo stato di minorità al quale l’esiliato è costretto, lo induca ad immaginare un mondo singolarmente forte e resistente nelle sue strutture.

Workshop EXILE

Nel workshop si lavorerà alla redazione-creazione di lettere sul tema dell’esilio per la partecipazione del Museo dell’arte contemporanea italiana in esilio al nuovo progetto di Dora Garcia EXILE (all’interno della mostra Host And Guest curata da Steven Henry Madoff presso il Museum of art di Tel Aviv che sarà presentato nella primavera del 2013).

Il Museo in Esilio è stato ospite al Padiglione Spagnolo per la 54ma Biennale di Venezia, all’interno del progetto “The Inadequate” di Dora Garcia. All’interno del padiglione il Museo in Esilio ha portato la “comunicazione in assenza” di Aldo Piromalli che, invitato a partecipare da Giulia Girardello, ha deciso di spedire, per tutta la durata della Biennale, le sue lettere.

L’artista spagnola ha riconosciuto in Aldo Piromalli una figura emblematica dell’idea di inadeguatezza e di esilio e a lui ha voluto ispirarsi per la mostra di Tel Aviv.

Durante questa nuova collaborazione è anche nato un libro: Se io sono la Lingua. Aldo Piromalli e la scrittura dell’esilio, con un testo di Dora Garcia, a cura di Mattia Pellegrini e Giulia Girardello edito da Sensibili alle Foglie, che è parte integrante del progetto e che sarà utilizzato per comprendere, attraverso i suoi scritti, Aldo Piromalli e la sua radicalità artistica ed esistenziale.

I partecipanti sono invitati a presentarsi al laboratorio già con materiale (foto, lettere, manoscritti, articoli e altro materiale che può essere spedito tramite posta ordinaria) che rifletta per loro il concetto di Esilio.

EXILE - progetto di Dora Garcia in fase di realizzazione per la mostra Host and Guest curata da Steven Henry Madoff per il Museum of Art di Tel Aviv - vuole abbracciare tutti i diversi significati di questa parola complessa. Primo, la condizione o un periodo di assenza forzata o volontaria dal proprio paese o dalla propria casa. Secondo, una persona che è in esilio, letteralmente o metaforicamente, geograficamente o spiritualmente. Terzo, vuole abbracciare i suoi sinonimi: bando, deportazione, spostamento, dislocazione, espulsione, retrocessione.

Questi sinonimi acquisiscono un significato più severo quando il progetto è situato dove sarà esposto: Tel Aviv e Israele. Ma il progetto non deve essere ridotto alla prima pagina politica, per quanto urgenti possano essere questi temi. L'esilio è anche una necessità, uno stato quasi inevitabile e obbligatorio per un artista in relazione alla storia e società.

EXILE rende omaggio alla figura di Aldo Piromalli, artista in esilio esistenziale.

Il progetto è formalizzato mediante lettere inviate a Tel Aviv Museum of Art dall’esilio di sei individui e un museo: Michal Bar Or, Museo in Esilio, Giulia Girardello, Alma Itzhaky, Luciana Kaplun, Dora Garcia e Aldo Piromalli.

Il Museo dell'Arte Contemporanea Italiana in Esilio dal 2010 svolge una ricerca allo scopo di individuare personalità singole o collettive che svolgono attività creative sorprendenti, eterodosse, fuori dai circuiti della comunicazione mediatica. La ricerca è svolta sia in istituzioni psichiatriche, penitenziarie e riabilitative in genere, che nelle aree di disagio e di marginalità sociale, ma dedica considerazione anche a personaggi isolati, eccentrici, border-line, che si dedicano ad attività bizzarre, indefinite che magari sono noti a piccole comunità (un villaggio, un quartiere, un gruppo sociale ecc.).

Sono inoltre cercati con particolare interesse artisti che, o per propria scelta o perché ne sono stati espulsi, operano fuori dai circuiti del sistema dell’arte contemporanea italiana. Sono esplorate anche le aree della ricerca scientifica o para-scientifica, dell’attivismo politico o della pratica simil-religiosa, specie quelle che si esprimono in forme non omologabili né definibili all'interno di paradigmi disciplinari o comunitari prefissati.

Il workshop si svolgerà in collaborazione con il progetto artistico Le Musée en valise di Silvia Pujia & Maria Teresa Zingarello, all'interno della mostra “VOCI d'arte contemporanea a Roma” presso il MLAC.

Le Musée en valise è il naturale proseguimento di GREVE en valise (2012), un progetto sviluppato durante una residenza d’artista presso il centro d’arte La Chambre Blanche, Canada e, come quest’ultimo, prende spunto da una riflessione su La boîte-en-valise di Duchamp e dalla sua idea di un museo fai-da-te. Le Musée en valise, nasce dalla volontà di analizzare l’orientamento artistico e culturale adottato dai luoghi non deputati e indipendenti che si pongono al di fuori del sistema ufficiale dell’arte, inclusi i luoghi non necessariamente legati a una sede fisica. All’interno del MLAC la struttura cubica, smontabile e trasportabile, fungerà da dispositivo museale aperto e nomade, un «museo portatile o anti-museo… una provocazione al museo tradizionale» (Duchamp) in grado di generare e dispiegare momenti di riflessione e dibattito in situ e di dar luogo a una vera e propria piattaforma relazionale tra i luoghi indipendenti coinvolti nell’iter progettuale. È con tal proposito che Le Musée en valise si propone di ospitare il Museo dell'Arte Contemporanea Italiana in Esilio ed il workshop per la partecipazione al progetto EXILE di Dora Garcìa.

SE IO SONO LA LINGUA. Aldo Piromalli e la scrittura dell’esilio a cura di Giulia Girardello e Mattia Pellegrini con un’introduzione di Dora Garcia

Collana Scrizioni Ir-ritate
Sensibili alle foglie

Acquisto 14€.
Presso nerodiseppia (Venezia) o direttamente dagli autori.
a Roma, o per altre città, direttamente da Mattia Pellegrini. (pellegrinimattia@ymail.com)

È un linguaggio suggestivo e affascinante quello con cui Aldo Piromalli, artista e poeta nato a Roma nel 1946, racconta di sé inviando in tutto il mondo le sue lettere da Amsterdam, città che lo ospita fin dai primi anni settanta.
Questo piccolo volume, che raccoglie una selezione dei suoi scritti e disegni più recenti, nasce da una positiva serie di coincidenze e di relazioni. Nel 2010 il lavoro di Piromalli è entrato a far parte del progetto di Cesare Pietroiusti “Museo dell’arte contemporanea italiana in esilio”, su segnalazione di Giulia Girardello che era in contatto con l’artista da alcuni anni, prima attraverso il Museo Casabianca di Malo, poi direttamente tramite un’intensa corrispondenza personale. L’anno seguente, Museo in Esilio è stato ospite al Pa- diglione Spagnolo per la 54ma Biennale di Venezia, all’interno del progetto “The Inadequate” di Dora Garcia. L’artista ha riconosciuto in Aldo Piromalli una figura emblematica dell’idea di inadeguatezza e di esilio e a lui ha voluto ispirarsi per il progetto “Exile”, che sarà presentato nella primavera del 2013 presso il Museo di Tel Aviv.

GIULIA GIRARDELLO, scrittrice e curatrice del progetto Nerodiseppia, negozio collettivo di arte, design e musica che promuove e sostiene le produzioni indipendenti a Venezia.

MATTIA PELLEGRINI, artista e curatore indipendente, collabora al Museo dell’arte contemporanea italiana in esilio e al MAAM (museo dell’altro e dell’altrove di Metropoliz_città meticcia, Roma).

ISBN 978-88-89883-72-3 Euro 14,00
p. 120 formato 14 x 21 cm

INDICE
ALDO PIROMALLI, ESILIO DI DORA GARCIA
INTRODUZIONE
CAPITOLO 1 FRAMMENTI AUTOBIOGRAFICI
CAPITOLO 2 L’ATTIVITÀ POETICA
CAPITOLO 3 DELL’INCONTRARSI
CAPITOLO 4 DEL PUBBLICARE
TAVOLE DI ALDO PIROMALLI
RINGRAZIAMENTI

(per info scrivere a museoinesilio@gmail.com)

L’inadeguato / Lo Inadecuado / The Inadeguate Progetto di Dora Garcia Padiglione spagnolo alla Biennale di Venezia 2011 Contributi al progetto di Dora Garcia, Francesco Matarrese e Cesare Pietroiusti a cura di Mattia Pellegrini

Conversazione sul progetto 

e-mail aprile-novembre 2011 

29/04/11 

dear dora, i just spoke with francesco matarrese, we would propose a skype-telephone conversation 

on tuesday may 3rd at 7 pm. would that be ok for you? 

my skype name is cesarepietroiusti; francesco's surface telephone is +39.080.5014583. 

please confirm if day and hour are ok. 

all my best, ciao, 

[cesare]. 

29/04/11 

And yes! I will be online on may 3 from on 18:45- my skype name is doragarcialopez 

Thanks 

Dora 

08/05/11 

Good evening Francesco, Cesare, I was not sure in which language I should write I decided to write 

in English because I'd like to comment on the English version of FRANCESO MATARRESE 

REFUSAL. The paper is translated into English and I have used the English version. But PLEASE, 

answer me back in Italian, I understand it perfectly (with a dictionary). The comments are about 

Francesco's paper, but I'd very much like to hear the opinion of both. 

It is an extraordinary paper, worth several questions, I will start with the most fundamental: 

1/ "On March 18, 1972, with this declaration I announced the birth of an art form of the future". I 

remember you mentioned as well in Cesare's studio that the project "L'inadeguato" in Venice could 

be an art form of the future. This expresion, "art form of the future" implies the notion of "progress" 

in art (an art of the past, an art of the present, an art of the future), as well as the possibility that the 

art being made is not relevant for the historical situation "now". Do you think artistic practice as it 

is now is a disappointment, a reactionary form, inadequate for the historical present?

2/ Francesco, you establish in this paper a comparison between the "unskilled" factory worker and 

the "genre-indifferent" avant-garde artist. But as I have always seen it, the rejection of technical 

virtuosity, or any special quality differentiating the artist from the common man was precisely a 

rejection of the bourgeois idea of art as technical feat, as a curious thing to watch and in the end as a 

merchandise. So I'd see the "genre-indifferent artist" as an attack on the bourgeois idea of art, 

precisely a rejection of "the terrorizing world in which everything is exchangeable with everything 

else." By refusing to comply with this task as "qualified producer of objects", the "genre- 

indifferent" artist refuses the most fundamental rule: to do something. Wouldn't you agree with that? 

3/ finally, this great idea coming from Francesco: to substitute the notion of "artist" (producer of art) 

for the notion of "collector", to substitute the notion of "artwork" for "non-art work". Could you 

elaborate on that? i find it very relevant for the work presented in "L'inadeguato"- as well for the 

project of Cesare, "museo dell'arte italiana contemporanea in esilio". Here I'd like to hear as well 

the opinion of Cesare about his "esilio" project in relation to this, artist vs collector, and artwork vs. 

non-art work. 

In case it is useful, I include under an Italian google translate version. Good night and looking 

forward to hear from you, 

Dora 

13/05/2011 

Finalmente Dora. Benvenuti, Dora, Cesare. La nostra conversazione è straordinaria. 

1) Si, Dora, a Roma dissi che il tuo progetto era una forma del futuro. Il tempo futuro a cui penso 

non è però né il tempo di chi fugge né quello del progresso (il tempo dei vincitori). C’è un tempo 

futuro diverso, lontano da noi, ma a cui guardo con speranza. E’ il tempo che tutti gli oppressi e gli 

esclusi aspettano che “si compia”. Il tempo che libera. E’ il tempo degli inattuali di Nietzsche, degli 

uomini postumi. 

Il tempo futuro che “si compie” è forse il tempo della “grande forma” cercata agli inizi della 

modernità (pensa per esempio a Musil o a Schönberg) e che continua ad essere assente. Assente è la 

sua “unità” (come probabilmente Robert Morris notò nel ’61 quando Column cadde). Tutto ciò è 

profondamente drammatico. In quel tempo gli uomini che partirono, lasciando “lo stato di cose 

presente”, iniziarono a rompere la vecchia forma e a fare arte in “assenza di forma”. A noi tocca 

andare avanti. Stiamo completando la rottura della vecchia forma, siamo impegnati a togliere il 

“fare qualcosa” dall’arte. Il “qualcosa” nell’arte, in un mondo di merci, è lo scandalo inaudito! A 

Roma vidi, cara Dora, che i tuoi occhi guardavano con indimenticabile coraggio verso questo luogo 

senza qualcosa, verso questo futuro. Io vedevo con te e Cesare. Io credo che il tuo grande lavoro a 

Venezia (e non solo) sia di strappare l’inadeguato al “qualcosa” (non spettacolo!) e a farlo vivere 

come inattuale (il contrario della richiesta di attualità e di progresso inseguito dal mondo dell’arte 

attuale). Questa conversazione è una prova. 

2) La seconda domanda pone una questione complessa. Provo a sintetizzarla. L’operaio-massa che 

nella fabbrica moderna passa indifferentemente da un lavoro all’altro, è una delle espressioni più 

contraddittorie ma anche più profetiche del nostro tempo. Io sono attratto da questa contraddizione 

perché intravedo il lavoro vivo, il futuro. Infatti più la condizione di indifferenza si fa astratta e 

generale (o morta per Marx, come accade con l’operaio-massa alienato o con l’artista infelice a cui 

è permesso tutto) più è chiamato in “vita” il non virtuosismo, la non prodezza tecnica (come tu 

dici), la non specificità. Allo stesso modo avviene con il contrario. Più questa “vita” pensa di avere 

tutte le ragioni dalla sua parte più deve accorgersi che c’è una “assenza” (il generale, l’unico) 

incomprensibile ed avanza la morte. La vita si trasforma in morte e la morte si trasforma in vita. Io 

permetto a queste categorie moderniste di prendersi gioco di me, scambiandosi i ruoli 

continuamente. La speranza è che questo lavoro di morte possa un giorno liberare la sua promessa 

di vita. Come a primavera quando i lillà sono liberati dalla terra morta. A Roma con te e Cesare è 

accaduto qualcosa di molto importante. Il tuo progetto è straordinario perché è visionario, perché 

fonda un cantiere, uno scenario. Ma soprattutto perché può fondare un lavoro, un possibile lavoro 

nuovo, un lavoro vivo. E questo è ciò che noi aspettiamo. 

3) Quanto all’idea di collezionista condivido il punto di vista di Benjamin. A certi collezionisti 

“inattuali” (come a Broodthaers o più recentemente a Cesare con la sua idea di Museo) può capitare 

di pensare che ci siano cose libere dalla schiavitù di essere utili. Anche questa è una grande 

speranza. E poi un certo tipo di collezionista mette “insieme”, come noi tre stiamo cercando di fare. 

Come tu vorresti fare a Venezia. 

Io credo che gli artisti possano porre una nuova questione etica sulla sofferenza umana e che ci sia 

un passaggio al lavoro vivo. Questa conversazione è dentro il nostro destino, deve continuare. 

Buona notte Dora, buona notte Cesare. A presto                                                                    Francesco 

17/05/2011 

Buenas noches, Francesco, Cesare. 

Algunos comentarios más en nuestra conversación. 

Me impresionó vivamente una de las frases que Francesco mencionó en nuestra conversación de 

skype: "una negativa (rifiuto) no debe suceder una sola vez, debe suceder una y otra vez". El 

negarse, el rehusar, no es pues algo que se haga ante una cierta circunstancia, sino que se convierte 

en un modo de vida y por tanto, ¿En una obra? en la publicación "Francesco Matarrese Refusal, la 

pregunta (D:) dice: "Il tuo rifiuto dunque si emancipa in negazione critica, in non-arte" 

Por una parte la negativa, el "rifiuto", que debe suceder sin cesar, una y otra vez, hace pensar en 

Bartebly, esa fábula del artista contemporáneo, y sin embargo, la idea de "decir no" como obra, 

como trabajo de arte o de non-arte, me parece entrañar una contradicción con la visión negativa que 

Francesco tiene sobre el "artista no especializado". 

Porque yo creo que Bartebly, el artista que dice "no" con un "no" que no tiene ningún heroísmo sino 

más bien algo de inevitable, de destino, es una personaje muy cercano al artista no-especializado, 

que es para mí una figura positiva, una liberación de la necesidad de "hacer algo", "ser excelente", 

"hacer algo que los demás no pueden hacer". 

Podrías Francesco explicar un poco más tu visión de "non-arte" - ¿es posible algo semejante, no la 

convierte la negativa en su contrario, arte? y ves Francesco algún tipo de identificación con el el 

Bartleby de Melville, un personaje que Melville construyó para paliar su amargura por la literatura 

de su tiempo? 

Un abrazo 

Dora 

18/05/2011 

grazie dora e francesco per questa conversazione, così intensa. cerco di dare anche io il mio 

contributo. 

1) sul tema della negazione, del rifiuto, del "no". io amo i paradossi, sono affascinato dai momenti 

in cui il pensiero deduttivo (che spesso francesco mette in opposizione alla "cesura", al taglio, al 

rifiuto) non riesce a procedere in modo fluido perché incontra un ostacolo, una contraddizione, 

un'antinomia. la non-opera è cosa ben diversa dal niente, così come la non non-opera (il tentativo di 

negare la negazione) è cosa diversa dall'opera iniziale. tento di fare un esempio. prendiamo uno 

stato in cui si esercita il diritto. poi prendiamo una situazione dittatoriale in cui quel diritto viene 

negato, e al diritto si sostituisce il non-diritto. porsi contro questa dittatura e contro lo stato di non- 

diritto, essere insomma per il non non-diritto, è cosa assai diversa dal diritto di prima, ed è, come 

direbbe francesco, una posizione di lotta. ogni atto di negazione insomma ha paradossali valenze 

affermative. 

2) come si distingue allora il "qualcosa", che tuttavia si fa, anche quando si è nel "non fare"? come 

si può riuscire a inoltrarsi, come dice francesco, nel campo dell'opera "senza qualcosa"? non credo 

che il problema sia soltanto passare dall'opera "materiale" all'opera "immateriale", nelle varie 

declinazioni situazioniste, concettuali, performative o, come si dice in epoca informatica, "virtuali". 

certamente questo aspetto esiste ed è importante quanto esso abbia contribuito ad una critica del 

mercato e del feticismo dell'oggetto. secondo me la questione è nel "qual" (cioè nella "qualità") del 

"qualcosa", e nella modalità tattiche che il soggetto (la singolarità su cui giustamente francesco 

insiste) sceglie di mettere in atto. 

sul primo punto, vorrei citare la riflessione di agamben sul concetto di "qualunque", o "quodlibet". 

il qualunque come ciò che piace, come "amabile". la "qual-ità" di ogni cosa è la sua amabilità, la 

sua potenzialità di creazione del desiderio. potenzialità non è realizzazione; amabilità non è 

consumo. proporrei dunque che l'opera "senza qualcosa" di cui parla francesco sia assenza di 

realizzazione e di consumo e che il carattere del lavoro, la qualità di quell'opera, sia l'amabilità, la 

potenzialità del tutto. in questo senso secondo me si concilia la osservazione di dora (che condivido 

in pieno) sull'artista "non-virtuoso e "generico" come artista che propone una emancipazione 

rispetto all'idea capitalista e borghese della produzione specializzata e professionale, con l'allarme 

di francesco rispetto al "generico", indifferenziato, ma "capitalizzato", lavoro morto. il "qual" del 

"qualcosa" o del "qualunque" è sia indifferenza (lavoro morto) che potenzialità, amabilità (lavoro 

vivo). credo si possa scegliere uno e non l'altro. 

sul secondo punto, cioè la tattica, propongo di considerare il concetto di "spostamento", l'azione che 

l'artista sostituisce alla produzione materiale, l'azione che si autonomizza dal campo in cui essa in 

genere si esercita. il gesto critico, che è sia azione che rifiuto, è lo spostamento - del punto di vista, 

della propria posizione spaziale e anche temporale, dei limiti disciplinari, degli strumenti che si 

usano, delle aspettative ecc. 

l'inattualità (di cui parla francesco), l'inadeguato (dora), il non-funzionale (cesare) sono tutte 

modalità di definire posizione "spostate" e pratiche di spostamento (note for dora: in italian 

"spostato" means: "delocalized", "displaced", "moved from one place to another", but also "crazy"). 

3) l'artista che fa il collezionista: certamente è un tentativo di "esplorazione" spregiudicata delle 

possibilità e delle molteplicità (penso per esempio agli elenchi e alle classificazioni dell'oulipo e di 

georges perec in particolare), quindi ad una critica delle gerarchie, dei giudizi professionali, e delle 

eccellenze (ancora il tema del generico, e del qualunque...), ma anche, l'artista che fa il collezionista 

o il direttore/inventore di museo (broodthaers!) non sta mettendosi nel punto di vista, nella 

posizione dell'Altro-da sé, non sta "spostandosi"? 

un abbraccio a entrambi e grazie ancora. dora if you have problem in understanding my confused 

italian, i can try to translate. 

[cesare].                                                                                                                                            

22/05/11 

Dora, Cesare eccomi. Con invito speciale a Mario! 

Cara Dora tu mi fai una grande domanda. che va nel cuore della mia vita d’artista. Il mio rifiuto è 

molto più di una resistenza. Apre un’opera, un orizzonte, un piano sul quale mi sto inoltrando. Sono 

felice del fatto che tu e Cesare abbiate uno sguardo così vicino al mio. Per questa ragione durante la 

nostra telefonata rompendo gli indugi e un naturale pudore pensai di festeggiare il nostro “vedere” 

elogiando i tuoi occhi. Ti sei soffermata su un passaggio chiave della nostra conversazione 

telefonica quando ti ho detto che dopo il telegramma del ’78 ho continuato a procedere, 

orgogliosamente, nel mio rifiuto, ancora, ancora, ancora. In questi anni infatti non sono stato fermo 

ma ho camminato molto, mi sono inoltrato in una terra nuova dove ho lottato e continuo a lottare. 

La mia radicalità è quella di un artista che va avanti comunque. La cultura, che è il terreno di lotta 

sul quale ci confrontiamo, è lì, spettacolare e quasi sempre inautentica. Il nostro spirito invece si 

incontra altrove. Anche l’arte credo si stia trasferendo altrove. Questo è un grande mistero. Troverai 

molte parole in questo testo che in verità alludono a un mio silenzio profondo. Sono un artista che 

parla molto, sono un artista che parla poco. 

Ora proviamo a entrare nel teatro della lotta insieme, Dora, Cesare, io. Staremo in compagnia, per 

difenderci dalle insidie, dalle trappole dello spettacolo culturale. Nella tua e-mail, Dora, mi fai 

notare che quando si “rifiuta” più volte, come nel mio caso, si può assomigliare a Bartleby 

(“preferirei di no”) e si finisce per diventare “non specializzato”. Poi provi a mettermi in guardia su 

una possibile contraddizione. Quella tra la mia volontà di “ripetere” il rifiuto (ancora, ancora e 

ancora) e la mia critica al “non specializzato” (e “in generale”, aggiungo). Tento un chiarimento. 

La mia critica dell’artista “non specializzato” e “in generale” (come dell’operaio-massa che passa 

indifferentemente da un lavoro all’altro) è sempre fatta non contro questo artista (o contro questo 

operaio). La mia critica è sempre una decostruzione della sua condizione. L’artista non specializzato 

(quale comunque siamo tu, Cesare e io) è solo il punto di partenza per legittimare la resistenza e 

l’attacco. E’ importante poi liberarlo dalla sua condizione di “lavoro morto” (Bartleby se non 

ricordo male lavorava nel “Dead Letter Office” di Washington), per raggiungere il lavoro vivo. Io 

sono dalla sua parte soprattutto quando egli combatte per liberarsi dallo stato di cose presente, 

compreso il suo, ripeto, compreso il suo. 

Hai ragione quando dici che l’artista virtuoso e specializzato riflette l’odiosa potenza del vincitore e 

dell’oppressore, ma non bisogna dimenticare che anche la condizione di indifferenza dell’artista 

non specializzato (e dell’operaio non specializzato, l’operaio massa) può riflettere direttamente o 

indirettamente l’indifferenza della merce, di cui certo è vittima. Dunque occorre liberare la non- 

virtuosità dalla sua condizione di subalternità alla logica dell’indifferenza delle merci. La tua grande 

idea è di voler liberare la non-virtuosità. Magnifico, Dora. Io credo che occorra non nascondersi 

l’ambiguità che la tiene prigioniera. Ambedue, specializzato e non-specializzato, possiedono una 

maschera che alternativamente li rende graditi alla loro parte, costringendoli ad una perversa 

intercambiabilità che è oggi il terrore massimo nel campo dell’arte (è il nuovo fronte di lotta 

dell’arte contro le illusioni). Per questo motivo evito di scegliere tra specializzato e non- 

specializzato. Ciò che veramente mi interessa è intercettare ciò che hanno in comune, l’elemento 

che scatena la loro ambiguità, che ostacola la realizzazione della non virtuosità liberata. Ho avuto 

bisogno in questi anni di “spostarmi” continuamente (dicevo durante la conversazione telefonica, e 

Cesare gentilmente lo ricorda) per intercettare il volto di morte (il “lavoro morto” evidenziato da 

Marx) che si nasconde dietro a queste ambiguità, le orride maschere spettrali del nostro tempo (che 

forse viaggiano accanto agli altri spettri della modernità, come il cinema e la fotografia). 

Questo è il modo in cui mi sono inoltrato nel campo della non-arte, che è naturalmente un campo 

fittizio, dove sembra prevalere la legge della spietatezza e dell’inganno. Ma è dentro il lavoro morto 

che bisogna cercare il lavoro vivo. Anche in questo caso per me non esiste una non-arte “in 

generale” e nemmeno una non-arte virtuosa e soprattutto una non-arte come contrario dell’arte 

(rimarremmo solo a testa in giù e nulla cambierebbe). Esiste una non-arte invece che di volta in 

volta libera la non-virtuosità e la potenzialità, dice Cesare (e come spero stia avvenendo in questo 

momento tra noi). Così mi trovo letteralmente dentro un terreno di lotta (e non dentro gli assoluti). 

Per esempio la non-arte è l’espressione che Greenberg usò per disprezzare alla fine degli anni 

sessanta il lavoro degli artisti che volevano non essere “puri” perché cercavano la legittimità della 

nuova arte “fuori” (proprio come tu Dora vuoi). Io ho raccolto questo “disprezzo” sottraendolo alla 

spazzatura culturale nella quale stava finendo. Quando però i miei detrattori dicono che non è 

possibile che l’arte sia senza “qualcosa” ecco che vedo affiorare da quel non dicibile proprio l’idea 

che possa esistere un arte senza qualcosa. Ecco perché bisogna inoltrrarsi nel terreno di lotta. In 

lontananza c’è una strana arte (ecco il mio interesse per la nostra visionarietà). Dal clima della 

nostra conversazione sembra emergere l’idea che il “senza qualcosa” sia una sorta di astrazione di 

secondo grado o secondo livello rispetto a quella kandinskiana. Siamo vicini a una seconda 

astrazione? Le vostre due grandi idee, la non virtuosità liberata (Dora) e l’amabilità di lavoro vivo 

(Cesare) lasciano immaginare una direzione, uno spostamento possibile (raccolgo l’invito alla 

riflessione tattica di Cesare). 

Ma ora sono io pieno di domande da rivolgervi. Dora, Cesare siamo qui a cercare le nostre risposte, 

ma in quale luogo ci troviamo? Quando nel mondo i “qualcosa” non sono più sufficienti a dare 

senso, l’uomo se ne separa (non necessariamente andando oltre il mondo, anzi rimanendoci!). Ma lo 

ha sempre fatto in modo da superare il vecchio qualcosa. Con la sua anima e il suo spirito diceva 

Lukács. Quale è lo spirito dunque che ci muove (Kandinskj)? 

Sono domande che con grande emozione vorrei rivolgere anche a Mario Tronti. Tu Mario con 

“Operai e capitale” (giustamente considerata la Bibbia dell’operaismo) offristi una “parola”, negli 

anni sessanta, al più grande movimento operaio del rifiuto in occidente. Ora i due gesti di rifiuto, 

quello della politica e quello dell’arte, possono incontrarsi. A Roma quasi un anno fa parlando con 

te al crs, ancora una volta del “rifiuto del lavoro astratto in arte”, a un certo punto ti fermasti, scese 

un profondo silenzio. Con un filo di voce ripetesti “si, astratto”. Poi tutti e due tacemmo. Possiamo 

riprendere quel discorso? Un abbraccio a tutti e a presto, 

Francesco 

31/07/11  

Hola a todos, Francesco, Cesare, Aurelia (espero que puedas ayudarnos si Francesco tiene alguna 

duda sobre lo que digo, gracias, Aurelia) 

Ya son dos meses que lleva el pabellón abierto en Venecia con L'Inadeguato y todo este tiempo he 

estado pensando Francesco en la importancia de encontrarnos dentro de este proyecto. Ahora más 

que nunca entiendo tu reticencia a venir aquí, a la bienal, un verdadero monstruo extraño a los 

matices y a las complejidades, en donde cada día es una batalla para hacerse entender, seguramente 

no tiene ni siquiera mucho sentido intentarlo ¿Para qué? 

Lo primero, quisiera pedirte tu dirección postal en Bari para enviarte la publicación que no creo 

haberte enviado todavía, y a la que puedes echar un vistazo en: 

theinadequate.net/pdf 

y también me gustaría pedirte que vieras un poco lo que hemos estado haciendo en el pabellón en 

theinadequate.net 

Todo esto, como te digo porque me gustaría mucho realmente tener la posibilidad de una 

conversación contigo como parte del proyecto, ahora realmente importante para mí para poder 

cerrarlo - tu contribución es fundamental. Entiendo ahora mucho mejor que antes el que no hayas 

querido venir a la Bienal, y es por ello que quisiera proponerte dos opciones (estas propuestas son 

también para Cesare - espero que entiendas mi español, Cesare, si no lo repetiré en inglés): 

- organizar una conversación entre nosotros (Francesco, Dora, quizás Cesare, quizás Eva Fabbris, 

quizás Anna Daneri) en la escuela de arte de Venecia (iuav)

- viajar yo a Bari para tener esta conversación, si te resulta más cómodo. 

Hay otras posibilidades (Roma) pero realmente me gustaría insistir en que tener una conversación 

en vivo para cerrar el proyecto es muy importante para mí. 

Espero pues vuestras noticias, y os envío a todos un gran saludo, 

desde Venecia 

Dora 

                                                                                                                                         

01/08/11 

Carissima Dora, 

ok. Vedersi, parlarsi, incontrarsi a Venezia è giusto. Come tu vuoi, come voi volete. Sono felice di 

risentirti, un abbraccio 

Francesco 

22/08/11 

Carissima Dora, 

qualche giorno fa, il nove agosto, è apparso nel sito del CRS, diretto da Mario Tronti, il mio testo 

“Rifiuto” (http://www.centroriformastato.org/crs2/spip.php?article285). E’ stato completato e 

integrato in molte parti (soprattutto nella seconda e nel finale), rispetto all’originale, tenendo conto 

delle tue importanti domande con cui sono ancora in debito. Mi è sembrato dunque giusto alla fine 

scrivere “Per Dora Garcia” in segno di riconoscenza e ammirazione. Ho chiesto ad Aurelia di 

tradurlo in spagnolo, ti prego di leggerlo. Un abbraccio, 

Francesco 

29/08/11 

Querido Francesco, acabo de publicar tu texto traducido por Aurelia en el 

blog. 

http://theinadequate.net/blog/2011/08/rechazo-por-francesco-matarrese-2/ 

Estoy muy contenta con ello y espero que nos veamos muy pronto en Venecia si 

te es posible. Un fuerte abrazo, 

Dora 

RECHAZO, por Francesco Matarrese                                                                   

Sunday, August 28 - 21.13h 

Francesco Matarrese, Aurelia Iurilli (trad.) via Dora García wrote 

El texto que sigue es una traducción realizada por Aurelia Iurilli del texto fundamental de Francesco 

Matarrese “Rifiuto”, publicado originalmente en: 

http://www.centroriformastato.org/crs2/spip.php?article285 

Agradezco infinitamente a Francesco Matarrese la posibilidad de publicar este texto en 

theinadequate.net, siendo como es él uno de los artistas cuya obra estuvo en el origen del proyecto. 

Espero que lo disfruten como yo lo he disfrutado y lo disfruto. 

16/11/11 

Hello, 

please let me know if the attached text could be ok. Feel free to correct, to add, and to take away - 

just let me know.                                                                                                                             Dora 

CLOSING WEEKEND AT THE INADEQUATE, SPANISH PAVILION, VENICE BIENNALE 

All things, however eternal they might appear to us, have an end. So The Inadequate has an end as 

well as the project for the Spanish Pavilion in Venice. The Inadequate will keep on existing, however, in a 

different form: The Inadequate archive. 

To mark this transition, from performance to archive, we have organized a series of events in the 

weekend 26-27 November. 

So on the 26th, at the Spanish pavilion in the Giardini, from 10:00 to 18:00, we will host once more 

Davide Savorani with a performance sharing some traits with Instant Narrative 

(http://theinadequate.net/instant-narrative/). Davide Savorani performance is  I Swear I Saw It  Ep.2 

(2011). 

In the evening of the 26th November, and in collaboration with the Museo dell'arte 

contemporanea italiana in Esilio (http://cort.as/1L13), we will celebrate the conversation 

between Francesco Matarrese, Cesare Pietroiusti and Dora Garcia, assisted by Aurelia Iurili. 

This is an event of great symbolic value for The Inadequate. The refusal by Francesco Matarrese 

(manifested in the famous telegram of 1978: "confermo rifiuto del lavoro astratto in arte")  and its 

consequences for his life, his career and his influence in a younger generations of artists, have been 

running as a case study and as a major influence in all the development of The Inadequate. The 

possibility of "practicing refusal, again and again" and create a sort of "anti-art" which is not the 

"nothing", the "immaterial" or "the ephemeral" in art.  

"Practicing refusal" is also much more than resistance. 

This conversation will take place Saturday 26, 18:00, in Fondazione Bevilacqualamasa, Venice. 

http://www.bevilacqualamasa.it/home 

You are all welcome.

Tre domande di Dora Garcia a Francesco Matarrese 

Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia 

27 novembre  2011 

Resoconto critico di Mattia Pellegrini 

Francesco Matarrese è inadeguato, la sua pratica è radicale, complessa, estremamente colta con una 

visione politica non conciliabile con il mondo dell’arte contemporanea, ormai inglobato nel culto 

dell’iper-spettacolarità. 

Guardandolo non lo puoi pensare ad un vernissage o ad una festa lussuosa d’inizio Biennale, lo 

immagini piuttosto in uno studiolo cinquecentesco circondato da una libreria ideale mentre porta 

avanti le sue non opere. 

E’ un asceta arrivato da una “terra straniera”. 

Il suo “Non” è dentro la sofferenza umana, è un uomo in lotta come ripeterà più volte durante 

l’incontro. 

E’ palpabile nella sua presenza, nel suo sguardo, che arrivare fino a Venezia è stata un impresa 

dolorosa e che questo luogo non lo convince completamente; la situazione “ufficiale” della 

fondazione è in contrapposizione nei confronti di un artista che del rifiuto ha fatto la sua arte, ma 

questo incontro è troppo importante e subito precisa la necessità profonda di dialogare e 

confrontarsi con Dora Garcia, un artista che stima profondamente. 

L’incontro viene spostato a domenica mattina, chi è presente è perché vuole essere lì a sentire, 

l’orario fa una sorta di selezione tra i partecipanti. 

Dora Garcia pone tre domande a Francesco Matarrese: l’estensione del concetto di rifiuto, il capire 

perché sia finito il “fracasso” dell’avanguardia, dove va l’arte del futuro. Quest’ultima è una delle 

tematiche più importanti affrontate durante il lungo scambio epistolare intercorso nei mesi 

precedenti tra Dora Garcia, Francesco Matarrese e Cesare Pietroiusti. 

Alla fine dell’ottocento le avanguardie avevano promesso un cambiamento radicale della 

cultura. Poi è accaduto che esse stesse sono diventate complici degli eventi più crudeli del 

novecento. Le promesse non mantenute sono uno degli elementi più disperati e disperanti in 

questo contesto, c’è una sofferenza indescrivibile per un artista dinnanzi a tutto ciò. 

Questa prima analisi mi porta a riflettere su una considerazione di Edoardo Sanguineti, poeta tra i 

fondatori del gruppo 63, quando, utilizzando un’allegoria, sosteneva che l’avanguardia ha inizio 

con la presa della Bastiglia, nel momento in cui il mondo borghese rompe con i codici della 

tradizione classica dell’Ancien Régime. Ci fu il tentativo di creare un nuovo codice attraverso una 

cesura netta con tutta la storia precedente ed è interessante vedere come anche questo primo 

tentativo d’avanguardia, per dirla con Sanguineti, fallisce trasformandosi nella “Dittatura della 

Borghesia”. La storia delle avanguardie del novecento è molto diversa ma questo fallimento, in un 

certo senso, lega queste esperienze. 

Un fondo etico, la lotta all’illusione e alla menzogna, sono alla base del progetto di tutte le 

avanguardie, sono elementi essenziali nel pensiero di Matarrese. Le avanguardie (storiche e neo) 

che prima si sono prestate ad un estetizzazione della politica da parte del nazifascismo e poi sono 

degenerate nella politicizzazione  dell’arte, alternativa che Walter Benjamin si auspicava, hanno 

contribuito a rendere l’artista complice di un’ulteriore sofferenza per l’umanità. 

La sua presa di posizione artistica in questi anni corre parallela  alla strategia politica 

dell’Operaismo italiano, Il suo “rifiuto del lavoro astratto in arte” è  la decisione di non “produrre” 

più opere “in generale”, sottraendosi  alla logica della mercificazione totale del  capitalismo. 

Nel 1978 ero molto giovane e risposi con un telegramma (è il “Telegramma del rifiuto del lavoro 

astratto in arte”, inizio della sua lotta nei confronti del sistema ideologico dell’arte moderna, 

[n.d.cur.]). Ma, come ho spiegato più volte, non c’era solo il rifiuto, c’era un’attività continuata 

di negazione critica. 

Il rifiuto credo che possa avere una grande estensione a patto che non sia semplicemente un 

“non”. Penso a Mario Tronti quando sostiene che per lottare contro il capitale la classe operaia 

deve lottare contro il lavoro e contro se stessa in quanto capitale. Qui nasce la lotta operaia 

contro il lavoro, qui nasce il rifiuto del lavoro. C’è molta profondità in questo, ecco l’estensione. 

La classe operaia deve lottare contro se stessa per evitare di stare dentro il gioco hegeliano servo- 

padrone. 

Dora, tu mi inviasti tempo fa una e-mail e io ti risposi dicendoti che avevi ragione nel sostenere 

“l’artista non virtuoso”. Però, come la classe operaia deve lottare contro se stessa anche l’artista 

non virtuoso deve lottare non solo contro l’artista virtuoso ma anche contro se stesso. Questa è la 

resistenza, questo è il rifiuto. 

Il riferimento di Matarrese alla collaborazione con Mario Tronti è costante, un testimone 

(torneremo sull’importanza dei testimoni) fondamentale per la sua pratica artistica e non solo. 

Questa collaborazione è uno dei pochi esempi dove politica e arte s’incontrano profondamente, per 

costruire, lottando sul margine, qualcosa di nuovo. 

Mario Tronti è il maggior teorico dell’operaismo degli anni sessanta, dalle sue idee è nato quel 

laboratorio di sperimentazione politica che ha fatto scuola, non solo in Italia; le sue tesi sono state 

riprese dal gruppo di Potere Operaio, tra cui, Oreste Scalzone ( tra i primi animatori della “variante 

insurrezionalista dell’operaismo”), Toni Negri (che definisce il rifiuto del lavoro “non 

semplicemente un atto politico ma un atto costitutivo di altra umanità”), Paolo Virno ( la sua analisi 

sulla Moltitudine, sull'Esodo, ma non solo, lo rendono uno dei pensatori più interessanti del 

panorama culturale internazionale), Franco “Bifo” Berardi (che oggi propone di creare un nuovo 

tipo di lotta basato su l’inazione, “Do Nothing Insurrection”, sempre legato al tema del rifiuto)  e 

molti altri, tutti debitori nei confronti del pensiero di Tronti. 

La grande influenza teorica di Mario Tronti è nota a tutti. E’ merito di Francesco Matarrese  essere 

riuscito a portare la radicalità del rifiuto trontiano e del suo complesso piano di lotta  all’interno 

della stesso campo di azione artistico e di aver posto il tema della cesura. Marcel Duchamp è 

chiamato in causa. 

La cesura di Duchamp è innanzitutto quella che ha portato “fuori” il significato e posto la questione 

della legittimità dell’opera d’arte (contrariamente a molti artisti modernisti americani  difensori, 

come sostiene Greenberg, di un significato ”dentro”). E’ nota però anche l’altra cesura dell’artista 

francese, l’uscita dal mondo dell’arte. Dopo aver lasciato nel 1923 “definitivamente incompiuto” il 

Grande Vetro decideva di dedicarsi alla vita e al gioco degli scacchi (che considerava un’attività più 

stimolante per la sua mente rispetto all’arte). In realtà non smise mai di sperimentare, di indagare 

sempre nuovi spazi di produzione di senso, trasformando la propria esistenza in un’opera d’arte. 

Nella recente biografia di Bernard Mercadé  “Marcel Duchamp, La Vita a credito”   c’è un capitolo 

che s’intitola “L’artista di domani si darà alla macchia” dove Duchamp, facendo una riflessione sul 

mutamento da una concezione  “esoterica” a “essoterica” dell’arte, dovuta alla 

commercializzazione, si augura “una rivoluzione di ordine ascetico di cui questa volta il pubblico 

non si accorga nemmeno e che solo pochi iniziati sviluppino questa rivoluzione ai margini del 

mondo accecato dai fuochi d’artificio dell’economia. The great artist of tomorrow will go 

underground” (da interpretare nelle diverse chiavi di lettura, tipica metodologia duchampiana). 

L’artista dovrà nascondersi al grande pubblico:“Datevi alla macchia, non fate capire a nessuno che 

state lavorando”.

E qui mi sembra molto interessante questa posizione anche rispetto alla grande importanza che 

l’artista barese dà ai suoi testimoni – “persone che più interrogo e più riempiono la mia vita 

allontanandomi dalla paura della morte” –  piuttosto che alla ricerca di un vasto pubblico. 

Mi viene subito in mente l’artista del futuro pensato da Duchamp; un artista che lavora ai margini, 

in disparte, non tanto per il proprio tempo ma per quello avvenire. Qui c’è la solitudine di 

Matarrese, qui c’è il gesto del rifiuto come singolarità . 

Questo mi porta ad un’altra delle riflessioni che l’artista ha affrontato a Venezia ovvero la 

consapevolezza che bisogna stare comunque dentro ma costruendo un fuori, una separazione. 

E’ possibile una separazione “dentro” questa società.  Benvenuti nel deserto del reale, dice 

Slavoj Žižek, è impossibile restare solamente fuori. 

Da dentro dobbiamo creare una sorta di “separazione”. 

Credo sia importante accennare al modo in cui Matarrese racconta la sua storia, che ripeto è 

visibilmente dentro la sofferenza. 

La sofferenza che porta questo gesto radicale ha conseguenze enormi nell’esistenza di un uomo, 

uscire è sempre doloroso, esiliarsi nell’intelligenza può portare a scottarsi con quel pensiero dei 

pensieri che, come la storia ci ricorda, può trasformarsi nel punto di non ritorno. 

Durante tutta la discussione l’artista ha continuato a parlare con grande emozione, a tratti con fatica, 

ma più il tempo passava e l’atmosfera diventava quella di un gruppo di amici, più la sua voce 

acquisiva forza e sicurezza, soprattutto quand’è tornato sul tema del Rifiuto: 

il rifiuto non è solamente un non! Il rifiuto apre un orizzonte, un enorme orizzonte. Non soltanto 

un orizzonte dove tu cammini e ti muovi ma un orizzonte nel quale tu combatti, lotti, ti devi 

difendere, devi attaccare. E’ molto difficile per me parlare ordinatamente di queste. Ho bisogno 

di continuare a lavorare in singolarità perché ho imparato che da questa singolarità viene la mia 

forza. Quando Francesco abbracciò i lebbrosi tutti capirono che la storia era cambiata; era un 

gesto, una singolarità. Sono sempre molto a disagio nel trattare queste questioni, per esempio 

adesso parlo molto, ma in effetti non parlo. Che cosa ho detto? Nulla. Che cosa è importante nel 

rifiuto? Il gesto. Ma il gesto del rifiuto è una singolarità. 

Questo nostro incontro è giustamente poco pubblico, ma nella patria dello spirito è molto seguito. 

E’ forse a questa patria che Nietzsche pensava  quando parlava dei suoi inadeguati, che 

chiamava inattuali. Per Mario Tronti sono “esistenze invisibili”. Si parla di uomini di questo tipo 

sin dagli inizi delle avanguardie, uomini che vengono da una terra sconosciuta, una zona dello 

spirito. Noi non dobbiamo avere paura delle parole, non dobbiamo aver paura della parola 

spirito, bisogna essere coraggiosi. Il coraggio è nel prendere le parole che vogliamo. Le usiamo 

dentro di noi. 

La questione che gli ho voluto porre a conclusione dell’incontro è legata profondamente alla terza 

domanda di Dora Garcia “Dove va l’arte del futuro?”. Gli ho chiesto se poteva approfondire il 

discorso dell’artista “senza opera”, sul rifiuto e sulla contestazione di un sistema attraverso la 

decisione di non produrre più “lavoro astratto e in generale”. Qualche mese prima, durante un 

incontro nello studio di Cesare Pietroiusti, aveva parlato del fatto che non era tanto necessario 

parlare di nuovi lavoratori quanto di un nuovo lavoro. 

Sì, pensavo a Giotto. Senza la rivoluzione del lavoro l’arte di Giotto è impensabile. Non a caso il 

suo “nuovo lavoro” era stato anticipato dai “non virtuosi”,  perché le cattedrali erano state 

costruite dalla comunità. Il campo del senza opera è immenso e io lo porto avanti sin dal 1978. 

Uno dice: senza opera, non hai fatto niente. Io invece ho lavorato continuamente, sui testimoni e 

sulle testimonianze, che non sono il “niente”. Il niente è da combattere. Il “ non” non è da 

mettere in vetrina. Oggi il nichilismo è una moda, molti  filosofi del “non” ignorano ciò di cui 

stanno  parlando. Agli inizi del novecento Kandinsky rompeva la forma, quello era il primo “no”. 

Non bisogna dimenticare tuttavia che nello stesso periodo Schönberg già cercava la “grande 

forma”. 

La complessità di questa ricerca ci mostra la possibilità e la necessità di un nuovo lavoro umano. Un 

suggerimento per le nuove generazioni di artisti. Questa società dello spettacolo, iper-spettacolare 

se non già  post-spettacolare, oramai è destinata a superare persino le più pessimistiche previsioni 

dei  “Commentari” di Guy Debord. Senza trascurare la circostanza che lo stesso spettacolo integrato 

è oramai interconnesso con il dominante  sistema finanziario globale. E’ importante e rilevante  che 

Dora Garcia abbia voluto concludere il suo progetto L’Inadeguato con un intervento di Francesco 

Matarrese (come del resto tutto il progetto L’Inadeguato di Dora Garcia alla Biennale di Venezia 

che, attraverso il divenire degli incontri/performance, si è determinato come il cuore pulsante della 

produzione di senso ponendo molte delle riflessioni care anche a Matarrese). 

Abbiamo bisogno di artisti che ci dicano: l'arte non è una passeggiata, non è una festa o un 

vernissage, è altro. E’ lottare per rifondare. 

A chi dovrebbe spettare, se non  all’artista, il ruolo di mettere in discussione le dinamiche della 

società dominante? Chi può praticare il territorio del rifiuto? A chi spetta quella produzione di senso 

sovversiva che nella moltitudine possa travalicarne i confini e proporre nuovi modelli di vivere 

comune? 

Il mondo dell’arte deve nuovamente assumere su di sé responsabilità e colpe. Solo così può sperare 

di tornare ad essere al centro del dibattito politico-culturale. 

Sia chiaro che non mi riferisco ad un “arte sociale” buona per tutte le stagioni, ma nei fatti sterile. 

Penso a un’arte capace di restituire la complessità del mondo e dell’uomo, così che l'animale umano 

non sia più corpo docile,  per dirla come Michel Foucault, dinnanzi al potere. 

 Mattia Pellegrini 

Roma, febbraio 2012 

Ringrazio Dora Garcia, Francesco Matarrese e Cesare Pietroiusti per aver messo a disposizione i 

materiali di questa conversazione e concesso la pubblicazione.